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Es gab viele große Komponisten in der Musikgeschichte Deutschlands. Diese haben uns wahre Schätze hinterlassen und haben Melodien und Themen komponiert von denen so mancher Komponist, oder heute Produzent genannt, nur zu träumen wagt oder selbst dies gleich bleiben lässt. Immerhin haben diese Stücke bereits mehrere hundert Jahre überdauert und sind noch immer Thema der Gegenwartsgeschichte.

Wie wäre es sonst zu erklären, dass immer wieder die unterschiedlichsten Dirigenten Werke von bedeutenden Komponisten aufgreifen, neu interpretieren und anschließend veröffentlichen? So tat dies nun auch der bedeutende Dirigent Philippe Herreweghe, der sich den wohl bedeutendsten Komponisten der deutschen Geschichte vornahm – Johann Sebastian Bach. 

Herreweghe ist auf diesem Gebiet kein Neuling und weiß genau worauf es ankommt. So hat er sich bereits mehrmals an Werken von Bach versucht. Diese “Versuche” kamen in der Öffentlichkeit auch sehr gut an und wurden seitens der Kritiker hochgelobt. Doch wie es vor allem bei Künstlern der Fall ist, so war Herreweghe im Nachhinein nie mit seinen Stücken zufrieden und hätte seine Werke am liebsten wieder vom Markt genommen. Daher überrascht es nicht, dass er sich wieder einmal an der “h-Moll-Messe” von Bach probiert und diese eingespielt hat.

Doch was unterscheidet nun sein neuestes Werk von seinem vorhergehenden Versuch? Man könnte wohl von einer sehr wirkungsvollen Schlichtheit reden, da Herreweghe nun versuchte weniger zu machen und damit das Stück umso mehr wirken zu lassen. Als Aussenstehender mag man da dem Dirigenten nur wieder auf die Schulter klopfen und sagen “Gut gemacht!”. Doch es wäre schon ziemlich überraschend wenn Herreweghe dieses Mal zu 100 % mit seinem Werk zufrieden ist, sodass man sich sicherlich noch an vielen weiteren “Neuauflagen” erfreuen darf.

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Für Viele gilt klassische Musik als eher spießig und nicht wirklich zeitgemäß. Doch es gibt Künstler, die es schaffen, das Interesse von einem breiten Publikum für Klassik zu wecken. Einer dieser Künstler ist der Geiger David Garrett, der es geschafft hat, viele junge Menschen für seine Musik zu begeistern.

In den vergangenen Jahren hat der Violinist eine einmalige Entwicklung durchgemacht. Früher galt er als Wunderkind, heute wird er als Rockstar der Klassik gefeiert. In den Medien wird der Mann mit dem Dreitagebart und den langen blonden Haaren oft als „schönster Geiger der Welt“ und als „Frauenschwarm“ bezeichnet. Doch er ist viel mehr als ein gut aussehender Musiker. Er ist einer der Musiker, die es wirklich schaffen, mit seinem Genremix und gelungenen Crossover-Projekten den Geschmack der Fans zu treffen und regelmäßig große Konzerthallen zu füllen. Das war auch beim Start seiner aktuellen Tour „Rock Anthems“ der Fall. Die Halle in Hamburg war ausverkauft, der Deutsch-Amerikaner wurde von rund 11 000 Fans bejubelt. Das nächste Zusatzkonzert in Hamburg ist bereits in Planung.

Sein neues Album „Rock Anthems“ gibt es noch nicht auf dem Markt. Es erscheint erst in den nächsten Monaten. Doch bereits jetzt liefert Garrett eine einmalige Bühnenshow. Dabei wird die Musik von seinem neuen Album mit spektakulärer Pyrotechnik und schönen visuellen Effekten gekonnt in Szene gesetzt.

Auch in seinem neuen Programm verzichtet David Garrett nicht auf sein Rebellen-Image oder auf Rocksounds zu Geigenklängen. Zusammen mit seiner Band und den Musikern der Neuen Philharmonie Frankfurt hat der junge Virtuose echte Hits von Nirvana, Guns N´Roses, Led Zeppelin, Bon Jovi, Coldplay, Billy Joel und sogar den Beatles aufgenommen. Gleichzeitig lässt er klassische Stücke von Chatschaturjan oder Beethoven nicht aus. Zu seinem Repertoire gehört auch Filmmusik sowie eine Jazzversion vom Eagles-Song „Desperado“.

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Die Demokratisierung des Musik-Marktes – schon einmal davon gehört? Oder Andy Warhols Ausspruch, dass jeder Künstler in der Zukunft seine zehn Minuten Ruhm hätte? Nun, einmal ganz konkret gefragt: Was bringt das Internet Musikern von heute? Ist es ein Fluch oder Segen? Und wie lässt sich in Zeiten von illegalen Downloads überhaupt noch Geld mit den eigenen Songs verdienen?

Allgemein lässt sich feststellen: Die meisten Künstler gehen überraschend wenig kreativ mit dem Internet um. Ein tolles Gegenbeispiel ist die junge New Yorkerin Azealia Banks. Nachdem sie im vergangenen Juli von ihrer Plattenfirma XL Recordings vor die Tür gesetzt wurde, ging ihre Karriere erst so richtig los. Sie lud Videos auf YouTube hoch, twitterte fleißig, lockte mit Tracks auf der Musiker-Plattform SoundCloud und landete so auch ohne Vertrag und Agent auf Platz eins der renommierten „Cool List“ des New Musical Express’. Mittlerweile ist sie beim Major Universal unter Vertrag. Auch das junge kalifornische Duo Pomplamoose hat seine skurrilen Coverversionen von Lady Gaga- und Beyoncé-Hits per YouTube bekannt gemacht. Mittlerweile sollen die beiden Kalifornier allein von ihren digitalen Plattenverkäufen leben können.

Das Berliner Unternehmen SoundCloud wurde kürzlich von der Webseite Fast Company als innovativste Firma gekürt – die Plattform sollte auch die erste Adresse für jeden Musiker sein, der seine Songs promoten will. Mehr als zehn Millionen Nutzer sind registriert, zwei Millionen kamen alleine in den letzten zwei Monaten dazu. Jeder kann kostenlos seine Songs hochladen, registrierte wie nicht registrierte Besucher können dann auf der eigenen Seite, ähnlich wie die Profil-Seite bei Facebook, die Lieder durchhören, kommentieren, runter laden oder auch auf eine Seite zum Kaufen weitergeleitet werden.

Doch eine Garantie für Erfolg durch das Internet gibt es nicht – zum Glück. Zum Künstler-Dasein gehört eben nicht nur Kreativität rund um die eigene Kunst, sondern auch Kreativität rund ums Vermarkten. Und mit der richtigen Idee erreicht man heutzutage viel mehr Menschen als jemals zuvor – ob es einem etwas nützt, ist natürlich eine andere Frage.

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Dietrich Fischer-Dieskau ist einer der bekanntesten Baritone der Welt. Geboren ist er im Jahr 1925 in Berlin, seine musikalische Ausbildung hat in den 1940er Jahren begonnen. Nach dem Krieg hat er an der Berliner Musikhochschule studiert und im Jahr 1947 begann seine Karriere als Sänger, die ihn schnell auf die Bühnen der größten Opernhäuser führen sollte.

Das Deutsche Requiem von Brahms, das er als Ersatz für einen erkrankten Kollegen in Badenweiler spontan und ohne es vorher zu proben zum Besten gab, ließ die Zuhörer verblüfft zurück. Es folgte ein Liederabend in Leipzig und kurze Zeit später wurde er als erster lyrischer Bariton an der Städtischen Oper in Berlin verpflichtet. Schon damals wurde er für sein ausdrucksstarke Interpreration klassischer Lieder geschätzt, Kritker waren sich einig, dass seine einfühlsame und akribische Interpretation von Beethovens und Schuberts Liedern seinesgleichen sucht.. In den 1950er Jahren führten ihn seine Auftritte nach ganz Europa, er erreichte seinen stimmlichen Höhepunkt und trat an bedeutenden Orten wie der Carnegie Hall in New York auf. Die New York Times nannte ihn den besten Liedersänger der Welt,  und bis in die 1990er Jahre füllte er die größten Konzerthallen der Welt.

Am meisten Bewunderung erntete er für seine Interpretation von Schuberts Winterreise, und auch der Liederzirkel ‘An eine ferne Geliebte’ von Beethoven gehörte zu seinem gefeierten Repertoire. Bewundert wurde er für seine genaue Artikulation und die gefühlvolle Interpretation der Texte. Nach mehr als 45 Jahren auf den Bühnen dieser Welt stellte Fischer-Dieskau auf der Münchener Silvester-Gala im Jahr 1992 seine aktive Karriere als Sänger ein. Seitdem ist er an der Berliner Universität der Künste als Dozent tätig und arbeitet nebenbei als Dirigent, Buchautor und Rezitator.

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Beinahe jeder träumte wohl schon einmal von einer Karriere im Showbuiz. Ob als Gitarrist in einer Rockband, Sängerin im Musical oder konzerthallenfüllender Solokünstler. Bei vielen bleibt es ein Traum, doch mit genügend Talent, Fleiß und Ausdauer kann aus dem Traum Realität werden.

Bei den meisten Talenten wird ihre Begabung schon früh deutlich, sodass sie im Idealfall schon früh gefördert werden durch Eltern, Musiklehrer und Musikschulen. Bei denjenigen, die bereits früh ein Instrument mit Leidenschaft erlernen, bietet sich ein musisches Hochschulstudium nach der Schule an. Die Palette der verschiedenen Studiengänge ist weitgefächert und reicht vom Studieren eines Instruments bis hin zum Leiten eines ganzen Orchesters.

Nach einem erfolgreichen Studium stehen den Absolventen verschiedene Möglichkeiten zur Verfügung. Entweder man lässt sich als Freiberufler nieder oder man sucht sich eine Anstellung in einem der Schauspiel- und Opernhäuser. Hier sind die Verträge jedoch meist nur befristet und auch die Arbeitszeiten weichen von den herkömmlicher Berufe ab.

Neben der Tätigkeit als Musiker gibt es aber auch die Möglichkeit Musik zu unterrichten. Wer sich für die Musiklehrerkarriere an allgemeinbildenden Schulen entscheidet, muss zunächst eine Eignungsprüfung an einer der Musikhochschulen bestehen und anschließend ein Studium mit musisch-pädagogischem Schwerpunkt absolvieren. Für die Lehrtätigkeit an Elementarschulen reicht meist ein Studium an einer Universität. Neben den staatlichen Universitäten und Musikhochschulen gibt es auch private Schulen, deren Beschulung allerdings kostenpflichtig ist.

Musik ist ein großes Feld und bietet neben der Tätigkeit als Künstler oder Lehrer auch die Möglichkeit zur therapeutischen Umsetzung. Musiktherapien helfen Patienten bei der Genesung und in der Logopädie wird Musik genutzt, um Sprach- und Sprechstörungen zu beheben.

Aber auch technisch Versierte können eine Karriere in der Musikbranche beginnen, etwa als Tontechniker bei Konzerten oder als Musikproduzent von Bands. Auch die Ausbildung zum Veranstaltungstechniker bietet vielfältige Möglichkeiten, in der Musikbranche Fuß zu fassen.

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Wer eine Reise nach Dresden machen will, hat die Auswahl zwischen vielen praktischen Kombiangeboten, die ein Hotel, eine Eintrittskarte für die Semperoper und eine Stadtrundfahrt beinhalten. Ein Besuch in der sächsischen Landeshauptstadt lohnt sich nicht nur für Kunst- und Kulturfreunde, doch für diese ganz besonders. Denn Dresden ist ein Zentrum der Kunst, über 30 Museen,  Theater und natürlich die Semperoper belegen das eindrucksvoll. Für alle, die auf den Geschmack gekommen sind, gilt: Jetzt nur noch das passende Zimmer über HRS reservieren und die Reise nach Dresden kann beginnen.

Besonders sehenswert in Dresden ist das Opernhaus der Sächsischen Staatsoper Dresden, also die berühmte Semperoper, die als Hof- und Staatsoper von Sachsen bereits eine lange historische Tradition hat. Ihr “Vorgängerbau” war das Opernhaus am Zwinger, das von 1719 bis 1849 bestand, jedoch nur bis 1763 als Oper genutzt wurde. Von 1838 bis 1841 errichtete dann der Baumeister Gottfried Semper ein neues königliches Hoftheater. Die Oper war als eines der schönsten europäischen Theater bekannt und sehr beliebt, wurde dann aber 1869 bei einem Brand vollkommen zerstört. Von 1871 bis 1878 leitete Manfred Semper die Bauarbeiten an dem Folgegebäude am Theaterplatz. Sein Vater, der den neuen Theaterbau entworfen hatte, lebte mittlerweile im Exil, weil er sich an den Maiaufständen beteiligt hatte. Deshalb durfte er viele Jahre lang keinen Fuß auf sächsischen Boden setzen.

Doch auch diese zweite Oper wurde zerstört – bei dem Luftangriff auf Dresden 1945. 1977 wurde mit dem Bau der dritten Oper begonnen, den der Chefarchitekt Wolfgang Hänsch leitete. Am 13. Februar 1985 konnte die Semperoper mit Carl Maria von Webers Oper “Der Freischütz” wiedereröffnet werden.

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Das Spiel mit dem modernen Jazz, gespickt mit beeindruckender Virtuosität, Tiefgang und vribrierendem Swing- das zeichnete den Jazz-Pianisten Michel Petrucciani unverkennlich aus. Der Pianist legte eine atmenberaubende, aber doch kurze Karriere hin und wird dafür nun mit einem Dokumentarfilm gewürdigt.

Den ersten Auftritt in der Hamburger Fabrik des Pianisten Petrucciani, genossen nicht mehr als rund 100 Zuschauer. Doch schon bald schaffte er den großen Sprung zur allgemeinen Bekanntheit, wozu ihm der Fernsehmoderator Roger Willemsen verhalf. Der anfängliche Geheimtipp wurde zum Publikumsliebling, als Willemsen ihn als Studio-Musiker für seine ZDF-Talkshow verantwortlich machte. Dadurch wurde der französische Musiker mit sizilianischen Wurzeln auch weit über die Jazzszene hinaus bekannt und gab nur ein Jahr nach seinem ersten Auftritt in der Hamburger Fabrik eine weitere Vorstellung, die dieses Mal in einer ausverkauften Halle gefeiert wurde.

Petrucciani litt unter der unheilbaren Glasknochenkrankheit, doch erschuf trotz des gezeichneten Körpers Unglaubliches auf den Tasten des Steinway-Flügels. “Leben gegen die Zeit” heißt der Untertitel des Dokumentarfilms, den Oscar-Preisträger Micheal Radford dem Pianisten widmete. Dazu sammelte er Interviews mit Familienangehörigen Petruccianis, einstigen Wegbegleitern in der Musikwelt und fesselndes Archivmaterial. Beeindruckend und mitreißend wird hier die Geschichte eines Jungen mit Handycap gezeigt, der es mit bloßer Willensstärke und einer gehörigen Portion Talent zu einem der weltweit besten Pianisten schaffte. Er wurde zum Teil der berühmten Musikwelt, mit allem, was zu einem exzessiven Leben gehört und ließ weder Trinkgelage, Reisen, Drogen noch Frauen darin aus.

Schon mit 13 spielte er ein Konzert mit dem Trompeter Clark Terry und geht nur fünf Jahre später mit Charles Lloyd auf Tournee. In New York dann tritt er mit sämtlichen Jazzgrößen der Zeit auf. In der selben Stadt jedoch stirbt er im Januar des Jahres 1999 an einer Lungenentzündung. Nach einem 36 Jahre langen, turbulenten Leben, wurde Michel Petrucciani auf dem Pariser Friedhof Pére Lachaise neben Chopin beigesetzt.

In einer ähnlichen Situation befindet sich Andreas Vogelmeier, er hat sich auch gegen eine Karriere als aktiver Musiker entschieden. Er hat in München und Berlin achte Jahre lang Trompete studiert und ebenfalls schon in großen Orchestern mit gespielt – unter anderem an der Staatsoper in Hamburg. Vor fünf Jahren hat er sich dann dazu entschlossen, katholische Theologie zu studieren und Priester zu werden. 

In den USA lernen Musikstudenten schon früh, sich selbst zu vermarkten und machen einen kleinen Abschluss in Wirtschaftswissenschaft. In Deutschland wäre dies auch angebracht, damit angehende Musiker lernen sich gegen ihre Konkurrenten durch zu setzen. Es ist gängige Praxis, dass Studenten nach einer Instrumentenausbildung trotzdem als Produzenten arbeiten oder Konzerte organisieren. Dafür müssen sie jedoch auf eigene Faust zum Beispiel BWL-Kurse machen. 

Was die Bildung Wolfgangs anging, so übernahm diese sein Vater Leopold. Neben Wolfgang unterrichtete er auch Wolfgangs Schwester Nannerl. Diese hatte ein fast ebenso großes musikalisches Talent wie ihr Bruder, doch hatte sie als Frau keine Aufstiegschancen.

Während seiner Kindheit wird Mozart zweimal schwer krank. Zum einen litt er an der Darmkrankheit Typhus, welche damals meistens tödlich war. Doch er konnte sich davon erholen. Nur ein Jahr später, immer noch geschwächt vom Typhus erkrankte Mozart an Pocken. Diese Krankheit war damals so schlimm, dass die Hälfte aller Erkrankten daran starben. Doch auch diese Krankheit überlebte er, sodass heutige Mediziner von dieser Tat noch erstaunter sind, als von seinem eigentlichen musikalischen Talent.

Tasteninstrument: Klavier, Quelle: janethaar/Flickr.com

Bei Tasteninstrumente wird wie der Name schon sagt die Musik durch das Drücken von Tasten erzeugt. Doch wie funktioniert denn das überhaupt? Also was genau geschieht, wenn man an einem Musikinstrument die Tasten betätigt. Was wird dadurch ausgelöst?

Erst einmal muss geklärt werden, dass die Taste den Ton nur indirekt erzeugt. So ist es nicht etwa wie bei der Gitarre, bei der man die Saiten zupft und diese dann auch den Ton von sich geben. Die Tasten benutzt man nur als Hilfsmittel um einen Ton auszulösen. Dabei gibt es entweder die Möglichkeit, dass durch den Tastendruck eine Mechanik in Gang gesetzt wird welche den Ton auslöst oder aber bei Geräten elektronischer Bauart ist es so, dass dann auf den Tastendruck hin der Ton elektrisch erzeugt wird.

Bei manchen Instrumenten gibt auch mehr als nur eine Tastatur. Bestes Beispiel dürfte dafür wohl das Akkordeon sein. Bei diesem befinden sich auf der einen Seite ganz viele Tasten wie bei einer Klaviatur und auf der anderen knopfähnliche Tasten.

Das besondere beim Tasteninstrument ist, dass der Unterschied zwischen zwei Tonhöhen nur stufenartig erfolgen kann, sodass ein hinübergleiten von einem in den nächsten Ton nicht möglich ist. Jedoch besitzen einige Tasteninstrumente ein “Pitch Wheel” welches es dem geübten Musiker ermöglicht von einem in den anderen Ton hinüber zu gleiten. Dies finden wir beispielsweise bei der Orgel oder dem Klavier. Dieses ist in der Form eines Fußpedals angebracht. So tritt man währen man den einen Ton drückt mit seinem Fuß das Pedal. Dann wird der Ton in die Länge gezogen, während man die Taste loslassen und eine neue Taste drücken kann. Mit dem richtigen Timing lässt sich dann auch bei den Tasteninstrumenten ein Hinübergleiten in den nächsten Ton ermöglichen.